L'atelier des couleurs

Bonjour,

Je vous ai promis l'autre jour de vous parler des terres mêlées. Je vais essayer de le faire aujourd'hui.

La plupart des céramiques que nous avons l'habitude de voir sont recouvertes en surface d'un ou plusieurs émaux qui leur donnent un dessin et une coloration particulière. Dans la technique des terres mêlées ou nériage (prononcez néri-agué), le graphisme et la coloration ne sont pas superficiels mais noyés dans la masse de l'argile.

Cette technique a été mise au point par les potiers chinois entre le VI^e et le VIII^e siècle. Elle a été utilisée en Chine mais aussi en Égypte et par les Romains.

En Europe, au XVIII^e siècle, des potiers français et anglais eurent l'idée de juxtaposer des terres argileuses de différentes couleurs pour imiter le marbre et l'agate.

Aujourd'hui, cette technique n'est plus utilisée que par quelques artistes, au Japon surtout et un peu en Europe.

On utilise des terres de couleurs différentes que l'on mêle plus ou moins pour composer le dessin et l'agencement de couleurs souhaité. On assemble des bandes, des plaques ou des morceaux d'argile colorée.

On découpe le bloc formé et l'on recommence à superposer, à frapper et à aplatir jusqu'à obtenir le dessin désiré.

On découpe alors des lamelles que l'on aligne pour façonner la plaque qui sera moulée afin d'obtenir la forme désirée. L'ensemble sera lissé sur le moule à l'éponge puis mis à sécher aussi lentement que possible. Le dessin a alors complètement disparu.

Une fois séchées, les pièces sont grattées à l'estèque puis poncées soigneusement.

Le dessin du nériage apparaît peu à peu.

L'opération de grattage et de ponçage est délicate car la pièce n'est pas encore cuite à ce stade de la fabrication.

Après ce ponçage minutieux, les pièces sont cuites pour obtenir des biscuits. Elles sont ensuite recouvertes d'un émail transparent qui soulignera le graphisme et accentuera la vivacité des couleurs.

Il est ainsi possible de réaliser des pièces marbrées mais aussi des pièces aux motifs plus géométriques comme l'assiette dont j'ai mis la photo pour illustrer le début de cet article.

On peut aussi incruster des formes en terre colorée dans la surface d'une plaque de terre de faible épaisseur.

Je ne vous ai montré que des pièces réalisées avec des terres de deux teintes différentes. Il est possible de colorer la terre avec différents oxydes et d'obtenir des terres mélées aux couleurs multiples. Mais je n'en suis pas encore là dans mon apprentissage.

Merci à Isabelle qui m'a fait découvrir cette technique d'une incroyable richesse. 

A bientôt!

Bonjour,

Merci tout d'abord pour votre participation. Malgré le beau temps, vous avez été nombreux à répondre à la dernière devinette. Mais personne n'a trouvé la bonne réponse. Il s'agissait tout simplement de tranches de livres.

J'avais sorti quelques livres de la bibliothèque de mon père pour les nettoyer et j'ai trouvé cette pile de livres assez jolie pour avoir envie de la photographier. Et j'ai fait d'une partie de cette photo la devinette de samedi dernier. J'en ai profité pour faire quelques recherches sur cette partie de la reliure à laquelle on ne fait pas souvent attention : la tranche. Je vous livre mes petits résultats.

Les tranches se composent de trois parties : la gouttière qui est la tranche opposée au dos du livre et qui est généralement concave, la tranche de tête qui est la tranche supérieure et la tranche de queue qui est la tranche inférieure.

Dans les ateliers de reliure, il y avait autrefois un ouvrier spécialisé dans la reliure des tranches.

« Faire la tranche , c’est couvrir cette tranche d’une couleur unie, ou la jasper, ou la marbrer, ou la dorer. Ainsi que nous l’avons dit, le relieur de petite ville est obligé de savoir faire toutes ces opérations, et il s’en acquitte tant bien que mal, trop souvent plutôt mal que bien. Dans les grands centres, au contraire, et même dans tous les grands ateliers, elles sont effectuées par des ouvriers spéciaux qui, principalement pour la dorure, sont quelquefois de véritables artistes » (source : Seb. Lenormand - Manuel Roret du relieur, Paris, Mulo, 1900).

Les tranches pouvaient être marbrées. 

Tranche de livre de 1818

Elles peuvent être aussi mouchetées, jaspées ou guillochées.

Elles sont parfois dorées à l'or fin ou recouvertes de laiton qui imite l'or.

Tranche de livre de 1874

Elles sont souvent en couleur unie comme les livres de la photo de la devinette, rouges, jaunes ou bleues le plus souvent.

Tranche de livre de 1774

Regardez les tranches des livres anciens chez les bouquinistes ou dans votre bibliothèque, si vous avez des livres anciens. Vous trouverez peut-être des merveilles comme ces tranches peintes que j'ai vues sur internet qui ornent (très rarement) des ouvrages du XVIII^e ou du XIX^e siècle édités au Royaume Uni et qui représentent des paysages, des portraits..., de façon monochrome ou en couleurs.

A bientôt !

Bonjour,

Ron2cuir a trouvé tout de suite la bonne réponse : il s'agissait de Installation for Bilbao, une oeuvre de Jenny Holzer de 1997 qui fait partie des oeuvres permanentes du musée Guggenheim de Bilbao. 

Jenny Holzer est une artiste américaine née en 1950 qui aborde dans ses oeuvres les thèmes du sexe, de la mort et de la guerre. Elle utilise souvent des enseignes lumineuses, des rubans à cristaux liquides pour diffuser ses messages. 

Installation for Bilbao est composée de neuf colonnes de diodes électroluminescentes courant sur deux faces, diffusant en basque, en espagnol et en anglais des messages renvoyant à des thèmes universels tels que l'intimité, la déception, la mort ou la perte.

Comme l'a dit Isabelle, cette oeuvre monumentale (vous pouvez voir sur la photo ci-dessus un visiteur contemplant cette oeuvre du premier étage) est située dans le hall principal du musée.

Vous pouvez voir d'autres photos de cette installation dans l'album photos "Musée Guggenheim Bilbao" ou dans l'article  Le musée Guggenheim à Bilbao - Exposition David Hockney.

A bientôt !

Plat

Iznik, vers 1575-1585

Céramique, décor peint sous glaçure  

Musée du Louvre 

Bonjour,

La céramique à Iznik se développe particulièrement au XVI^e siècle. C'est à partir des années 1520 que se développe le style saz. Le terme "saz" désigne en turc ancien une forêt épaisse et luxuriante, peuplée de créatures fabuleuses. Il qualifie des compositions végétales dans lesquelles entrent des fleurs exubérantes et de souples feuilles aux contours dentelés. Ce style fut développé par un peintre et poète nommé Shah Quli (mort en 1556) qui travaillait à l'illustration des manuscrits pour la cour. Il concevait aussi des modèles destinés à être transposés sur des supports variés.

L'un des accents visuels des compositions saz est une feuille aux contours dentelés et aux nervures apparentes dite "hançeri" car sa longue courbe évoque une dague de poignard (hançer en turc). Simplifiée à l'extrême, elle prend l'aspect d'un simple "s". 

Carreau - détail

Iznik, vers 1570-1580

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

A cet élément propre au style saz, sont associés des fleurs : tulipes, jacinthes, oeillets, violettes...

Je vous montre ci-dessous quelques exemples des pièces de ce style présentées au musée du Louvre.

Plat

Iznik, vers 1565-1580

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

Plat

Iznik, vers 1565-1580

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

Carreau 

Iznik, vers 1545-1550

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

A partir des années 1560, les céramistes ottomans emploient une engobe à base d'oxyde de fer pour obtenir un rouge vif en léger relief. Ils expérimentent aussi des teintes subtiles tels le rouge corail ou le bleu lavande. Les compositons florales sont fréquentes. En effet, l'horticulture est un passe-temps répandu parmi les élites ottomanes.

 Coupe à fond corail

Iznik, vers 1560-1570

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

Carreau

Iznik

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

Ecoinçon

Iznik

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

Plat à décor floral

Iznik, vers 1565-1570

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

Plat à décor floral

Iznik, vers 1565-1570

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

   Plat aux tulipes 

Iznik, vers 1560-1575

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

Plat à décors concentriques

Iznik, vers 1560-1575

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

      Plat au cyprès

Iznik, vers 1565-1570

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

Les motifs de bateaux ou d'animaux apparaissent aussi souvent dans la céramique d'Iznik dès la seconde moitié du XVI^e siècle et tout au long du XVII^e siècle.

Dans le dernier quart du XVI^e siècle, les céramistes ottomans composent des décors abstraits qui s'enlèvent sur des fonds colorés ou des textures tels que les fonds d'écaille ou les fonds à spirales.

Plat à fond rouge

Iznik, vers 1585

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

Plat à fond d'écailles

Iznik, vers 1585

Céramique, fond peint sous glaçure

Musée du Louvre

Plat à fond d'écailles

Iznik, vers 1585

Céramique, fond peint sous glaçure

Musée du Louvre

Plat

 Iznik, vers 1510-1520

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre 

Bonjour,

Lors de mon dernier voyage à Paris, je suis allée visiter la nouvelle aile du Louvre dédiée aux arts de l'Islam. J'ai pu y admirer de merveilleuses - et très nombreuses - pièces. Le Louvre possède en particulier une très importante collection de céramiques et, parmi elles, beaucoup de pièces provenant d'Iznik. La prise de photos sans flash étant autorisée au Louvre, je peux vous faire profiter de ma visite en vous présentant quelques-unes de ces pièces. Aujourd'hui, je vous montrerai les premières céramiques de l'Empire ottoman.

L'appellation "céramique d'Iznik" désigne les productions réalisées à partir de la seconde moitié du XV^e siècle dans la ville d'Iznik (anciennement Nicée) en Turquie. Les potiers d'Iznik développent des décors et des coloris qui rencontrent un succès grandissant tout au long du XVI^e siècle.

Après la prise de Contantinople et l'installation de la cour ottomane dans l'ancienne capitale byzantine, on observe un renouveau dans de nombreux domaines artistiques. Il apparaît une production de vaisselle de céramique d'une grande perfection technique répondant aux besoins d'une élite en demande d'objets de luxe et d'apparat. Cette production devait se poursuivre durant tout le XVI^e siècle avant de connaître une période de lent déclin au cours du siècle suivant. Cette céramique s'est très rapidement exportée, en Italie notamment. La ville d'Iznik en fut le centre de production principal.

Jusque vers 1520, les décors sont dominés par des formes végétales stylisées propres au répertoire islamique ("rumi", en référence aux Seljoukides de Rum) et des motifs floraux dits "hatayi" inspirées de l'art chinois (Chine se disait "Hatay" en ottoman).

Un bleu de cobalt intense et profond est employé sur les plus anciennes pièces.

Carreau de bordure

Iznik, vers 1506

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

Carreau de bordure

Iznik, vers 1512

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

Lampe de mosquée

Iznik, vers 1510

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

      Vase aux cyprès

Iznik, vers 1520-1525

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

Puis les compositions s'éclaircissent, s'aèrent et jouent l'alternance des fonds bleu et blanc. Vers 1520-1530, les céramistes explorent des voies nouvelles. Le répertoire se diversifie et des rehauts bleu turquoise (oxyde de cuivre) apparaissent.

Pichet

Iznik, vers 1530

Céramique, décor peint sous glaçure

Musée du Louvre

A bientôt pour la suite de la visite !